放蕩息子の迷走

1. ニノウデの世界
一音目からバンド全体で元気よく始まる割とどっしりした一曲目。繊細なアルペジオが歌の後ろで早速舞い上がっているがディストーションギターの出番も多い。この曲に限らずだが、籠った感じの音が幻想的に響く。バンドブーム時代的な音の古さが惜しまれる、特にドラムの音。不思議な符割りで上昇するサビが印象的。ミドルエイトの超高音ボーカルには正直ビビる。早速歌詞は難解で、シュールな言葉の中に二人だけの幼くも退廃的な世界が見えてくる。「冷たくて柔らかな　二人でカギかけた小さな世界」。性と死、あるいは虚無、そういったイメージが晴れやかなのに冴えないサウンドと共に浮かび上がる。デビューアルバムの一曲目で、なんかもういきなり小さな世界の果てでぐったりしている。

2. 海とピンク
ツーコードのシンプルなメロディがシュールで幻惑的な「チューチュチュー」のスキャットまで軽快に突っ走っていく割と元気な曲。リズムにスピッツが元々パンクバンドだった名残が見える、が、歌も合わせるととても気怠げ。ソロも弾くアコギの響きが目立つ。歌詞はもう、やるせなくなってくる。冒頭から「ほらピンクのまん○」、「繰り返し遊んだ」と性的なモチーフも、「言葉だけ無邪気になる　ほらまただまされてた」とか、可愛く意地悪だけどなんか虚しいし、そして結局「ちょっときみを見て　海を見て　あくびして」で締める。このどうしようもない気怠さ。

3. ビー玉
穏やかにふわっとした雰囲気で終始進む、まさに気怠さそのものな曲。間奏のハーモニカがカントリーっぽくもあるが、やっぱり薄らと目眩がしてくるようなまったり具合。草野の歌もメインのコーラスを中心に非常にフニャフニャで、頼り無いを通り越して不安にさえなる。いきなりの「おまえの最期を見てやる」とか、「みんな夢のように消え去って」とか「俺は狂っていたのかな」とか、どうしようもない表現の数々が、サビの「タマシイころがせ　チィパ　チィパ　チィパチィパ」に集約される様はぼんやりとした寒気を感じる。

4. 五千光年の夢
またパンク的、もっと言えばバンドブーム的なハネたリズムで進行する軽快な曲。この曲までダルダルでぼんやりとした曲が続くので、少々ダレる。サビらしくないサビの変なコード感はUKネオアコ的な耽美さも。最後のコーラスとギターソロの並走でぼんやりと世界観が広がる。「うしろ向きのままで」「なんだか寂しいな」「ちょっと照れくさくて」といった具合で、タイトルの意味するところの意味不明な消極性・妄想性が連想される。

5. 月に帰る
ちょっとこれまでと変わって、割とはっきりと爽やかでロマンチックなメロディの、ギターの三輪徹也による曲。壮大な世界の広がりを思わせるコード感やギターサウンドは後の『青い車』やら『渚』やらの開放感に繋がっていきそうな、そういうスケール感をもった曲。この曲ではそれが妄想的に宇宙的な方向に向かう。サビのメロディの舞い上がり方とか、そういうイメージにうってつけ。そんな宇宙的な広がりを見せるSE的なギターが素敵。特に終盤の無数の流れ星みたいなギター、逆再生なども用いたそれはとても幻想的で、シューゲイザー的。歌の裏で鳴っているアルペジオのadd9な響きが、やっぱギターポップだよなあ、と思わせる。

6. テレビ
イントロからして難解。どこでAメロ始まってんだ？バンドブームっぽい高速ツービートかと思ったら急にしっとりして、サビで爽やかにドライブする。気怠げながらぐるぐる回るメロディがサビで抜けて行く具合は良い。ミドルエイトのブレイクからまた少し宇宙的・シューゲ的広がりをかいま見せるところにニヤリとする。しかしそんなことしている場合でないほどに歌詞が混迷を極めきっている。文句無くスピッツでも五本の指に入る難解さ。爽やかに舞うサビの「マントの怪人　叫ぶ夜」を筆頭に、どうすればそうなるのか分からない言葉の連なりがぞろぞろ。「カボチャとナスは仲良しか　それもいいや　だって」とか、もう、何！？しかも、そんな訳の分からない言葉の並びも、ギリギリのところでちゃんと意味が通るように配置されていることに、ファンなどのこの歌詞の解釈（解説ページでもやはりこの曲が一番議論となっている）をいくつかつまんで見て再度驚く。「おなかの大きなママ」のフレーズで衝撃を受ける。なんちゅう世界観だ……。もちろん正解は無いので、とりあえずスピッツに、いや、変なものに興味がある人は、とりあえず歌詞を読んでほしい。頭痛くなってくる。輪廻転生かあ、なら曲調のぐるぐるした変化もなんか分かるなあ。

7.タンポポ
ゆったりぼんやりとした三拍子の、長い曲。マイナー調ではないけれど、しかしかなり陰鬱。全体的にぼんやりした音やフラフラしたメロディがとても幻想的に頼り無く、間奏の長めのギターソロが虚しげに響く。サビの「ふんずけられて　また起きて道ばたの花　ずっと見つめていたよ」というフレーズがもう、どうしようもなく重たい。最後は「どうかこのまま僕とここにいて欲しい」と情け無く言い出す始末。「太陽は黄ばんでいた」というフレーズがすべて表しているような、明るいが故に虚しいタイプの曲。

7. 死神の岬へ
鬱で内向的な前曲から一気に切り替わり、爽やかに風景が開けるような雰囲気。軽快なリズムでテンポよく可愛いメロディを歌うので安心する。また三輪作曲。このアルバムの三輪曲はほっとするタイミングで爽やかに入ってくる。Bメロで上り詰めてサビでさらっと下りて行くような具合のメロディはとても美しい。これも『青い車』とかに通じる開放感がある、と思ったらこの曲も移動は車だった。間奏で変な音が沢山入ってサイケデリックになっても、また爽やかに駆け出すので安心する。「愛と希望に満たされて　誰もかもすごく疲れた」なんて皮肉な出だしから、サビの乾いて寂しげな情景描写へ向かっていくのが、青年の童心のようなものを非常にくすぐる。ここから三曲が、個人的にはこのアルバムの一番好きなところ。

8. トンビ飛べなかった
元気のいいギターのドライブを聴かせる、ストレートなロックソング。縦ノリのダサさと草野の貧弱さが素晴らしく中和し、可愛らしくも力強い。間奏ではまたシューゲ的なぼんやりした音世界を見せ、そこからシャウト（だよな、あれ）と共にまたロックサウンドに戻っていくのが爽快感がある。気持ちよく突き抜けていくのに歌詞が「トンビ飛べなかった」なのも良い。後ろ向きな表現が沢山出てきて、孤独、虚しさがよく見られる（タイトルも諦観だし）が、元気な曲調のせいか歌詞の方も開き直りのような言葉があって、モリッシー的なパンクさを感じる。二番の歌詞が好き。「つぶされかかってわかった　優しい声もアザだらけ」「正義のしるし踏んづける　もういらないや」。何気にABサビCメロありで三分半に纏め上げる草野のソングライティングも凄い。

9. 夏の魔物
寂しくも爽やかな雰囲気で疾走していく、初期の楽曲でもとりわけ人気の曲。見事な情景描写で疾走し（爽やかに風景が広がっていくこの感じ）、マイナーコードが臭くなり過ぎない程度にきらっと光るサビに、バンド全体がうねるように突入するのが良い。特に最後に繰り返すところなどは、そっと挿入される「僕の呪文も効かなかった」というフレーズもあって非常に切ない。アコギの響きも輪郭をなぞるようなエレキギターやベースの動きも素晴らしい。やはり『青い車』とかに繋がる系統だろう。この系統の曲全部名曲。具体的でセンチメンタルな情景描写に対し、肝心の会いたかった「夏の魔物」が何であるかというのは諸説（象徴的な意味合いから、具体的な「妊娠中絶説」まで）ある。この多様の解釈を生みながら言葉の響きも可愛くて切ない「夏の魔物」というタイトル自体が、凄く良い。

10. うめぼし
アコギ弾き語りと室内楽的なストリングス。穏やかに伸びる歌のフレーズが「うめぼしたべたい」なので、インパクトは十分。ブリッジ部のメロディの寂しさが良い。ストリングスの被さり方も古くなった部屋みたいな穏やかさ・優美さを持っている。「うめぼし」自体が「たべたい僕は今すぐ君に会いたい」と続き、性的な意味合いを匂わせる。そしてその他の歌詞の憂鬱そうな具合。「知らない間に僕も悪者になってた　優しい言葉だけじゃ物足りない」というのが、その内気ながら内的なドロドロを抑えきれないもどかしさが、悲しい。そのもどかしさの発露が「うめぼしたべたい」なんだから、やっぱりやるせない。奥田民生が歌ったら、全然悲壮感無かったんだけどなあ（笑）

11. ヒバリのこころ
元気にどっしりと、壮大に広がっていく曲で、インディー時代からの大切な曲で、デビューシングル。この曲に至るまでのやるせなさの蓄積を考えると、この曲のポジティブな開放感やら力強さやら突き抜けていく感じに「涙がこぼれそうさ」となる。歌自体は舞い上がるのを避けるように展開し、サビで溜めに溜めて、その後演奏で一気に広がっていくところにカタルシスがある。特に二度目のサビでしつこくタイトルを繰り返してからは、残り一分半ほどをその力強く羽ばたいていくような演奏にたっぷりと費やしている。雄弁なギターソロ。時折見せる陰りはユニコーンの『すばらしい日々』と似たところがあるが、あちらが終わっても続いていく虚しさに溢れているのに対し、こちらは色々な困難や憂鬱があっても、それでも頑張ろう、サビのフレーズ通り「僕らこれから強く生きていこう」という切ない力強さを感じさせる。フェードアウトは切ないけれど。


スピッツの記念すべきメジャー1stアルバム。
シュールなジャケットは、ヒトデの交尾を思わせる。片方が薄いのもまた、詩的ですね。クリエイションレーベルのジャケットみたいな洒落たものにしたかったらしいが、ヒトデの交尾はなかなかに毒があって、まさにこのアルバムの特徴を良く表している気がする。
全体的に弱めな音が幻想的なイメージを作り出している。それはシューゲイザーの「世界の果て感」と共通する、あるいはそれを目指して作られたものと思われる。ただ、本当に爽やかなRide（スピッツは早い時期からRideからの影響を公言している）と比べると、ずっと後と比べても異様にフニャフニャな草野の声もあってか、突き抜けた爽やかさよりももっとぼんやりして、気怠くて、どうしようもない感じもする。それは耽美系のシューゲイザーのそれとも異なる、むしろ80'sUKネオアコの内向き加減に近い感じか。そこに日本のバンドブーム的なパンク感や時代を感じさせるサウンドプロダクションやらで、何ともヘンテコな、次作以降ともまた異なる変な、居心地の悪い感じが、特にアルバム冒頭から四曲や『テレビ』などから感じられる。逆に言えば、この辺りの曲の雰囲気は後のアルバムには無いものがある（割とサウンドが近い次作『名前をつけてやる』にさえ、無い気がする）。歪で、シュールで、気持ち悪くて、ちょっと可愛くしようとしているのがかえって気味悪くて、それがこの辺の楽曲の個性になっていると思う。そういう意味でもやはり、『テレビ』がこのアルバムの象徴なのかな、とも思う。後半は意外と、聴き易い。スピッツの一貫した爽やかさが既に、多少の毒を孕みながらもすっと出てきている感じがする。
このアルバムを語るにおいて、歌詞に触れないわけにはいかない。全アルバム中文句無しで一番訳が分からない。これもアルバム後半は情景描写が多めなのに対し、前半はひたすら全く予想の出来ないフレーズがバンバン飛び出す。それぞれがシュールなだけならまだしも、強烈な冷気や（冷気の表現は初期スピッツの重要なモチーフのひとつ）圧倒的な孤独、そして可愛さを装う分かえって気味悪さの増したエロスとタナトスを放出し、フニャフニャな楽曲と共にこちらに働きかけてくる。歌詞をよく読みながら聴くと、どうしてデビューしていきなりこんな気持ち悪い世界観を、この人達は表現するんだろうと、薄ら寒い思いになる。破綻、圧倒的な破綻の予感を、草野の弱々しく気怠い声で歌う、これはハードコアなサウンドで露悪的な歌詞を歌うどんなバンドと比べても、次元の違うくらいにハードコアだと思う。変態と呼ぶのも憚られるくらいに強烈で、かつ悲惨。このアルバムの不健全っぷりを思うと、その後、特に『ロビンソン』以降の展開がまるで噓のように思える。まあ逆に、このように濃い「初期スピッツ」があったお陰て後の売れ線時代でも変わらぬ切なさや世界観を保っている、とも言えるかもしれないけど。
そりゃ後のスピッツに比べたらずっと聴き難いし、洗練もされてないけれど、でも表現のエッジの鋭さとしては、もしかしてこのアルバムが一番おぞましいのではないか、とも思う。演奏はそこそこだが、何気にベースはこの頃から非常に良く動く。流石スピッツのリーダー。



『ヒバリのこころ』PV。広大な風景を映すスクリーンの前、閉塞感のある場所で演奏しているのが初期スピッツらしい感じ。このころの草野さんを見ていると、フィッシュマンズとかと仲良かったのが何となく分かる感じがする。


『海とピンク』Live。これは流石に大分最近だろう。アルバム時の気味悪さが歌からもサウンドからもとれて、随分はっきりとロックしている。アルバムのとどちらが好きかは聴く人の好み。しかし上のPVと比べても、全然歳とってねえなマサムネ。すげえ。



スピッツトリビュートの小島麻由美による『夏の魔物』カバー。カバー業界でもここまでばっちりなのあるか？ってくらい好き。原曲の幼げながら切羽詰まった雰囲気とこの人の歌の性質が完全に一致している。原曲越えとか、そういう比較はしたくないけれども、でもこれはとても素晴らしい、儚い。筆者なんかは、これ聴いてこの人知ってベスト借りたクチ。

1. 14souls
スピッツライクな爽やかギターポップ路線の、それらの中でもとりわけ純度の高い曲。沸き上がってくるようなイントロから、落ち着いた瑞々しさを保ったまま心地良いテンポで疾走していく。幾分フックは弱いがその分流れるようなメロディとギターを味わえる。こういうタイプのポップな曲における木下ギターのアーミングはやっぱり爽やかで魅力的だなあ。展開の穏やかな曲な分、間奏のベタなリズムの鈍化が印象的にもなっている。途中から細かく瑞々しいリフを刻みながら上下する戸高のギターが、音数の割にとても優しげで曲にキュートさを与えている。木下の歌もとても爽やかに聴こえる。ちょっと声高め？アルバムの他の曲が毒々しいものが多い分、このアルバム冒頭の透き通るようなポップさが眩しい。

2. STAY BEAUTIFUL
ハードなギターから、Bloc Party風なシリアスさと攻撃性を持ったサウンドが展開する、ニヒルな狂騒具合の曲。毒々しさはこっちの方があるかもしれない。サビのメロディもシンプルに艶かしげ。しかしこの曲の特徴はやはり間奏からの展開。ビッグビート風、っていうかPrimal Scream『Swastika Eyes』をホーンなどでアレンジしたような、不思議な具合。毒々しさが爆発しないままにゆっくりと膨張していくようで、新しいドラムもその緊張感をうまく煽っている。そして最後のサビでダークに解放されると。

3. ローラーコースター
ポップに旋回するリフを主体にしたどっしり目のオルタナポップ。あっけらかんと突き抜けるような溌剌具合が『Seagull』なんかに通じるものがある。特にBメロの粘り着くようなキュート具合は初期スマパン的なものも感じさせる。タイトルやサビの歌詞的にはジザメリだが。そのBメロから解放感のあるサビに抜けて行く展開が良い。Bメロのコーラスの掛け合いも勢いがあって良い（でもライブでは木下がひとりでやってた気もする）。そして相変わらずブレイクで展開を作るのが上手。

4. マイブルーセバスチャン
マイナー調の耽美なアルペジオから、サザンオールスターズみたいなホーンが高らかに鳴り響く曲。リズムの拍の取り方なども含めて、ともすればダサくもなってしまいそうな毒々しさがあるが、シンプルなメロディでバランスを取っている。シンプルな演奏をバックに歌われるサビのメロディが、そのファルセット具合も含めてアートのマイナー調曲らしい耽美な舞い上がり方をしている。その後にホーンがぐっと入って来るので、なんか不思議。

5. HEAVEN’S SIGN
三連符で幻想的な曲。サビにちゃんと上昇感と勢いのあるメロディとシャウトを持って来る木下も良いが、この曲はともかく戸高。あらゆる手段を駆使して、まどろむようなバッキングから曲展開を激しく牽引するギターソロ、そしてその後のクールダウンの水中な雰囲気までを構築している。特に終盤のディレイ掛かったギターが光の泡みたいに舞うところが良い。木下の同じコードを弾き続けることで発生する不思議なシューゲ感を戸高が上手にコントロールしている感じ。

6. LOST CONTROL
今作で一番Bloc Partyしている曲か。冒頭から硬質なサウンドでダークに疾走。抑制の利いたリフの旋回などは「よくやるなあ」とか思ってしまう。サビ前にそれが更に加速する具合や、二度目のサビで一度急停止してから一気にサウンドが混濁し最後のサビに繋がっていくやや大げさな展開は、The Novembersなどの最近の若手からのフィードバックも感じる。最後のタイトルコールも勢いがあって、ブチッと途切れる無機的な終わりに向かってバンド全体で疾走していく感じが出ている。初期とは違う、NW的疾走感。

7. tonight is the night
キラキラしたシンセのフレーズに導かれた、ハウス・トランス色の明らかな楽曲。ハウスと言ってもサビでは四つ打ちではなく、奇妙につんのめったリズムで轟音に溶け込む。この辺のリズム的なワザは新しいドラムの個性・利点がよく現れている感じがする。細い音を奥行きをもって響かせる静とキラキラした轟音の動との対比はやはりアートスクール。終盤のサウンドのひねりもサビの入り方も、新しいサウンドにも関わらず手慣れた感じがある。ハウス風味の楽曲でも疾走感と切迫感があるのは、もはや業のようなもんか。

8. wish you were here
今作のファンク担当曲か。これまでのアートのファンク楽曲の中でもとりわけ内向的というか、マイナー調のアルペジオが曲の余分なエネルギーのようなものをすべて奪い去って、良い意味で徹底的に陰気な雰囲気を漂わせている。簡素な打ち込みの音もそのチープさが曲の陰気具合に合っている。サビで舞い上がるメロディも最後は間違いなく落ちていって、二回目のサビの後のリフレインで終わるという曲自体の小規模さ、終わり方のあっけなさもあって、ファンク曲なのにアルバム中一番冷めて虚しげで暗いセクションを形成している。ゆえに、『その指で』とは全然異なるベクトルにおいて、凄く耽美だと思う。ベースラインもいつもより色っぽく曲線的。

9. don’t i hold you
ダークに攻撃的に疾走する、このアルバムで頻出のタイプの楽曲。より直線的なフレーズの被せ方はBloc PartyよりもThe Novembersの方が近そう。メインリフもちょっと大げさ。突進するようなサビのメロディ。そして最後のサビ前の溜め方の大げさ具合。この曲だけはどうも好きになれん。『LOST CONTROL』と被っている気がする。

10. CATHOLIC BOY
ふわあっと舞うシンセの音が印象的な穏やかなイントロで始まる普通のギターロック。しかし所々のアレンジが流石に上手で聴かせる。どことなくthe pillowsを思わせるゆったり具合のAメロでも瑞々しい雰囲気を出して、それがサビのマイナー調のパワーコードでまったりと粉砕される具合はやはりアートスクール。シンプルな繰り返しを珍しくしつこく引っ張るサビだがその落ち着いた感じがまったりと聴かせる。二度目のサビ以降のCメロ→間奏で可愛らしく炸裂、な感じが、安心のアートスクールクオリティを感じさせてくれる。戸高のちょっと水っぽいギターが溜めて溜めて、伸び伸びと舞う、それだけで素敵。

11. KILLING ME SOFTLY
二重歌唱で別々の歌詞を同時進行するという、それなんて『バリで死す』と思っちゃうアイディアを、ダークでダンサブルなサウンドに乗せている。ダークにグダグダなAメロから急にサビでメロディが跳ね上がるのがキャッチー。そして二度目のサビが終わるとブレイクして、ドラムのフィルから急に全く別の曲みたいなのが始まる。つんのめり気味のリズムで疾走、そしてまたサビへ。個人的にはアート史上最も字の詰まった歌詞カードがなんか、笑える。三分半の曲なんだが、二人分の歌詞となると流石に凄い。変に圧倒される。

12. 君は天使だった
かえって前曲以上にびっくりな、軽快なツービートに乗った北国風ギターポップ。それこそthe pillowsの『レッサーハムスターの憂鬱』を思い起こさずにはいられない、幼げな内向性と敬虔さを感じさせる曲調に、こっそりとアートの新境地を垣間見たような気がする。木下の歌との相性も抜群に良い。「昔の映画のように」が「昔の演歌のように」と聴こえるのは笑った。サビのシンプルな高揚もとても切なくも可愛らしい。そしてこの曲も二度目のサビの後、また全然別の曲みたいにして演奏が再会、寂れた街の風景を切り取ったような哀愁の三拍子サウンドに驚くも、こういうのも凄くいい、と思った。それこそ本当に絵本みたいで、愛しくも切なくて、個人的には、堪らない。こういう路線の続編を激しく希望。

13. Grace note
前作に引き続き戸高曲で締め。前曲の幻想的な感じを受け継いで、儚げで冬な曲になっている。戸高曲の中でもアレンジの細かさ、展開の多さなどなど、最も作り込まれている印象を受ける。四拍子の拍子足らずに聴こえる三拍子のリズムや繊細なギターサウンドの配置など、どことなくデスキャブ的なものを感じる。やはり冬の寂しい景色が思い浮かぶ曲調は終盤、新たな展開を見せ、そしてドラムが複雑にロールし始めると戸高も新しいメロディを繰り出し、アルバム全体のコーダ部を美しくも寂しげに作り上げる。手数の多いドラムと淡々とした演奏の対比がとても寂しげな印象を作り上げる。最後の音など、さっきまでのダークな狂騒はどこ行ったん、めっちゃ寂しいやん、って気持ちになる。


ART-SCHOOLの五枚目のフルアルバム。バンド九年目にして五枚目というペースは不思議だけど、こいつらミニアルバムばっかり出すからその辺よく分からんと、ライナーノーツで宇野維正氏も述べている。
『ILLMATIC BABY』制作後櫻井氏の脱退が決まり、予定していた分のライブをやり遂げて惜別、でもその裏で既に次のドラム・鈴木浩之氏とレコーディングに向けてのセッションをしていたんだから、流石に木下、伊達に長年バンドはやってない。その新ドラムが全面的に参加して作られたこのアルバムも、ぎこちないところは特に見当たらない。
『ILLMATIC〜』で見せたNW志向は、この新しいドラムに支えられて、このアルバムでも多方向に現れている。引き締まった直線的なビートからハウスな曲調のリズムを不思議に解体するまで、様々に活躍。
器用らしい新ドラムの加入によって演奏出来る曲調の幅も広がったのか、木下も様々なタイプの楽曲に挑戦している。アルバム一枚を通しての曲調の幅は過去最大だろう。穏やかなギターポップで始まり、ダークに狂乱したりオルタナしたりシューゲしたり、そしてラスト二曲でギターポップ路線的にも新しい方向性を立ててみたりと、何気に手広くやっている。しかし、筆者が信者であることを差し引いても、それほど散漫な感じもしない。暖かみのある冒頭と寒々しい最後が好対照で、どっちもしっかりとアートスクールしているからか。
もうここまで来ると、本当に何でも出来るバンドになったんだなあと感心する。それでもアートっぽさ、木下っぽさが完全に損なわれる場面は見当たらず、「アートスクールの木下」としてのソングライティングの鉄壁っぷりが大いに感じられる。もうどんなことをしても、木下が曲書いて歌えば、それで戸高が色々手を尽くしてギター弾けば、アートっぽくなると。偉大なるマンネリズムに、完全に突入か。次作がどういう方向性でいくか気になってくるレベル。
個人的にはハードでダンスな楽曲よりも、ギターポップな楽曲の洗練が気になった。とりわけ最後二曲はバンドの80'sUKギターポップの咀嚼がまたひとつ前進した感じがある。

今年はバンド結成十周年だそうです。そういえばイギリスのバンドで、結成十年目で世界観抜群の最高のアルバムを出した、The Cureとかいうバンドがおりますね。いつか木下が冗談っぽく、「十周年なったら、物凄く暗いアルバムを作るのも面白そう」とか言ってたので、筆者は、アートスクールに『Disintegration』みたいな作品を求めたいです。期待、期待。



『ローラーコースター』PV。しかしまたえらく獣的な女優だなあ。
櫻井さんがいなくなったからネタに走れないのか、その辺がちょっと不満。


『14souls』。「この曲のPVを募集します」みたいな企画があったけれど、集まった作品が四つくらいだったらしい。そしてその受賞作がネット上に見つからん。どういうことだ？なかったことになったのか！？曲自体はこのように爽やかです。

1. ILLMATIC BABY
ニューレイヴ！2008年にもなって、まさかのニューレイヴ。シンセとベースが暗躍し、いかがわしいリフが飛び交う。ドラムが割と落ち着いている分そういうニューレイブの「いかがわしさ」だけ抜き出して来たようなどこか冷めた感じもするが、単純に木下のソングライティングのシンプル具合のせいかも。サビのコーラスはちょっとサッカーみたい。間奏で無駄に三連符になるところとかもなんかおかしい。歌詞に関してはもう、おバカ、ここまで露骨にエロな比喩を連発すると、むしろ笑えるし、多分本人もそれを狙っているのでは。ドーパンのスタープロデュース。レコーディングに苦労したらしく、ニューレイヴの「ノリ」がなかなか出なかったとか。ダークさがギャグみたいで面白い。

2. 夜の子供たち
曲自体は割と馴染みの「疾走系木下曲」な感じがするが、これもまた大分アレンジがいつもと違う感じがする。ギターが凄くこう、張り切っている。沢山リフを用いて局所局所で使い分けているイメージ。そのフレーズも「引っ掻く」ようなものが多い。前作のBloc Party志向の発展系。全体的に音圧高めな感じもする。間奏の音の壁っぷりとか。木琴の音やらシンセやらが入っているからか。サビの叫ばずに繰り返す歌と畳み掛けるドラムフィルの対比が意外と新鮮な感じ。

3. 君はいま光の中に
本人曰く「合唱系」な、壮大なバラード。冷えたトーンのギターやシンセの音がいかにも冬っぽいが、音の質感はつるっとして水滴系。透明感のあるメロディが魅力。Bメロを受けて伸びていくサビのメロディはOasisの『Wonderwall』なんか思い浮かべたり。つまりある種の王道。一般的なJ-popにも参入出来そうなところがある。戸高のソロも珍しく泣きが入っている感じ。が、Cメロから間奏、特にブレイク以降のせつせつとした感じはアートスクール的。「絶望や希望を歌うほど若くない」というフレーズに今作の変化を思わせる。

4. BROKEN WHITE
いきなりスネアの連打から突入する音の隙間多めの直線的な疾走曲。っていうかこれ、かなりBloc Partyだよなあ。リズムギターとか。歌詞英語にしてオケレケが同じメロディ歌ったらもう完全に。ただ、サビの繰り返しでやはり叫びきらずに淡々と歌っている様は『夜の〜』と共に木下の新しいサビのやり方なのかも。こういうのはガレージ風NWとでも言うのか。2分半に間奏と三回目のサビまで纏める技量は流石。

5. エミール
軽快でポップでノスタルジックなミドルテンポ。ある意味今作では一番これまでのアートの楽曲、『Butterfly Kiss』や『1995』なんかの延長線上にあるような感じ。それゆえそのメロディの簡潔かつ流麗な仕上がりは良好、スピッツレベル。特に「TONIGHT」と言って高揚するリフレインは同系統のロマンチック。特に最後のそれはファルセットまで入って来て、まるでスマパンの同系統の楽曲のように美麗。アレンジに打ち込みが使われていて、ニューオーダー方式のエレポップ風味が不思議な軽快さとデジタルな浮遊感を生んでいる。それに呼応するエレクトロ風味なギターもとても綺麗で良い。『Flora』である程度極めたポップな手法を更にミニマル気味に利用している感じか。しかし歌詞はまた、ぼんやりと救いが無い方にシフトしてるな。凄くポップにやさぐれている。感傷と諦観と、エレポップ。

6. INSIDE OF YOU
ポストレディへ風味な陰鬱停滞なイントロで不穏さを振りまいた、と思ったら急に変拍子で攻撃的なNWに変質する。色々と展開に凝った曲で、二度目のサビの後にどこかまた深刻さを気取ったロマンチックさを見せて、またガリガリに変質して終わるが、それぞれの構成がシンプルなので、良くも悪くも、とてもプログレ的には聴こえない。メロディは相当簡略化されて、繰り返しの尖ったフレーズをギターと共に何度も叩き込むような構図。特に普通のリズムに戻ったサビのタイトルコールは発狂したポリスみたいで格好良い。拷問機械的なアートサウンドも悪くない。


ART-SCHOOL、実に八枚目のミニアルバム。本当に好きだよなあ。確か前作『左ききのキキ』から一年ぐらい間隔が空いたリリース。何故か他のミニアルバムよりちょっと高いよな。
前作で目立ったグランジ復権櫻井重戦車サウンドは何故かあれ一枚でまたすぐに封印、その代わり『real love / slow down』で露骨に現れたBloc Party的サウンドを、今作ではより露骨に、サウンドの軸に置いている。攻撃的なNWサウンドのひとつの21世紀的形態をBloc Partyに見出したのは、何気に「ああ、そうだよなあ」とか思ったりして、というのもそう思わせるくらいの楽曲にちゃんと仕上げている点がある。特に戸高のギターはかなり影響を受けながらも丸パクリにならないよう執心するような、ある意味でちょこざいな、しかし良く言えばバンドのサウンドとして消化吸収するための試行錯誤を行っているように思える。
そういうこともあって、サウンド的にはもう完全にNWバンドである。曲自体も簡略化が進み、特にメロディについては短いフレーズの鋭角的な繰り返しが頻繁に現れ、しかも昔のように叫ばず淡々と行う。こういった部分も感情抑制・捨象、というか抑制とシンプルな変化によって抑揚を付ける、NW的手法が垣間見える。
もうひとつ大きな変化として、サウンド自体のプロダクションがかなり変わった感じがする。全体的につるっとした質感が、洗練、またはオルタナ・グランジ的ジャリジャリな生々しさの捨象を導いている。大体、木下のボーカルからしてエフェクト処理が多用され、彼等の音源の中では最も歌の生々しさが削り取られている。それはNW的な抑制の中にあって、また声もひとつの楽器、といった具合に聴こえる。
NW的抑制とダークさ。「不器用にディストーション」なサウンド、芳醇な00年代USインディ的ハイファイサウンドと来て、また新しいフェイズに入った感じか。ただレコーディングは難航したらしく、そしてこの後ドラムの櫻井雄一が脱退。そういえばこの頃のアーティスト写真でも櫻井氏のポジションが微妙だったが、今思えばやっぱり伏線だったのか。その思い切りの良さ、そして第一期の時とは異なる後腐れのなさが、良くも悪くも、大人になったというか。しかし思い切ってサウンド変質させることが出来るのはまあ、よくやるよなあ、本当。ソングライティングの根本的安定による自信なのか。実際もうパンク以降の大概のサウンドはアートスクールで出来るよなあ。


インタビュー。ベスト盤とこのミニアルバムの同時発売、その心。そして衝撃の大山純音楽界復帰についてまで（笑）今思うと本当に凄いタイミングだ。

1. SHEILA
イントロのアルペジオからして不穏さ全開、そこから叩き付けるような演奏が展開される。ナンバガの『I don't know』を彷彿とさせるそれ、重心が低く特にドラムは重戦車的サウンド。ブレイクの素っ気なさと全開時のシンバル音の洪水っぷりが凄い。ギターもNW的神経質さとガレージ風のガリガリを繰り返す。二度目のブレイク以降の間奏など、ある種のヤケクソ感すら漂う。木下も歌に間奏のワーミープレイにと吹っ切れ気味。

2. 左ききのキキ
不穏な煌めきからディストーションギターで疾走する、初期のアートの雰囲気が帰って来た。『MISS WORLD』あたりに近い静と動な雰囲気で、しかし第二期としての経験を経た演奏が展開される。静パートのブリッジミュートと繊細なフレーズの対比などは聴いてて懐かしくなった。シンプルなフレーズでしっかり奥行きを出している。ドラムの重くドシャドシャとしているのにそれでも力強く疾走するのは迫力がある。フィルインが不思議なタイミングで入ってくる。ヤケクソというよりはむしろ、バンドが一丸となって小さく重く纏まって突進していくような力強さがある。しかしミニアルバムのタイトル曲なのに二曲目なのね。歌詞に左利きは出て来ない！生まれ変わりを選択しない木下、この先の混濁と冷笑気味の方向性をそれとなく示唆している。

3. Ghost of a beautiful view
アート式のシューゲイザーが穏やかに展開される曲。音の重ね方は第二期以降といった感じだが、曲自体は初期の『1965』とか『LOVERS』とかに近いものがある。アコギの音も目立つクリアで柔らかい轟音が淡々とした曲を穏やかに包む。その轟音に心地良く埋もれる木下の歌もシンプルに枯れた美しいメロディラインを持っている。Bメロで少し轟音を解除する辺りがこの楽曲ならではの工夫と思われる。間奏以降のファルセットコーラスも美しい。様々なモチーフを繰り出す幻想的な歌詞も血の表現などの生々しさが現れ、この混濁具合が次のアルバムのスタンスに近い具合に、自然と歌われている。

4. Candles
この曲をして「戸高さんいい曲書きますね」と言うのは嫌がらせだろうと思うほどに、モロにNIRVANAのアレをやっちゃったなあ、って具合のグランジソング。ギターのコーラスだけでなく、サビ後の「イエー！」までやっちゃった。これは確信犯。しかしやはりドラムが水を得た魚のように重く低く転がり回るのは、単純にそういうものとして気持ちいい。戸高の声が細いとか、生々しさが今ひとつ足りない雰囲気だけっぽい歌詞とか、そういうことを言うのも野暮か。

5. real love/slow dawn
いわゆるBloc Party風のリフがアートの楽曲に初めて登場した、ファンキーでかつ鋭角的な楽曲。直線的に様々に変化していくドラムや削り取るようなギター、無愛想なコード感がサビでポップに持ち上がる具合などなど、とてもそれっぽい。間奏のボヤーッとなるところなんか特にそれっぽい。しかしドラムは櫻井氏的な重々しさも所々にはっきりと観られる。サビの重みやタム回し。裏打ちダンスリズムが殺伐とした具合に響くのは単純に心地良い。ダークな躁状態、的な。歌詞の方も荒みきった自身をゲラゲラ笑いながらもやっぱ苦しい、的な滑稽さで飛ばしている。木下自慢のフレーズ「ゴムくらい　ちゃんとしろよ」。

6. 雨の日の為に
ミニアルバムの締めのためと思われる二分程度の小作品。スローなコーラスの掛かったアルペジオに乗って木下が朗々と歌う。大した曲じゃないし木下の歌も上手くはないが、間奏のアコギのフレーズは綺麗だし、サビの「どんな時にも此処にいるから　漂い浮かんで　消えてくものの為」というのは『左ききのキキ』の冒頭のフレーズと対応している。つまるところ『Flora』以上にポップにはならねえよ、と。


ART-SCHOOLが『Flora』のライブツアー中に録音したというミニアルバム。ツアーのDVDと同時に発売された。
『Flora』で光り輝く系統のポップや幻想風味を散々やった後の反動なのか、原点回帰と本人が言い出すほどに重めで乱暴な作りになっている。『Flora』的な楽曲は皆無で、タイトル曲を始めグランジ臭が立ちこめるというかモロパクリもあるし。過去の焼き直しとも取れるが、経験を積んだ演奏はやはり初期のそれとは微妙に異なる。特にドラムの重心の低さ・重々しさがこのミニアルバムでは前面に出ている感じがして、獣系のドラマー（失礼）櫻井雄一氏の野性味が、彼等の音源の中でもとりわけフューチャーされていると言える。
原点回帰ばかりでなく、第一期的楽曲と第二期的アレンジの融合（『Ghost of〜』）や、この先の重要な方向性になってくるBloc Partyサウンドの導入（『real love〜』）なども同時に行っている。どことなく、『Flora』までで「なんでもあり」になった自分たちの出来ることを一旦整理したような雰囲気か。
歌詞においては、『Flora』で見せた救いのような視線はほぼ消滅（笑）して、また焦燥と自嘲が全開になっている。いきなり「死んでんの」とは痛々しい。ただ、そういった要素が悪く言えば自己パロディ的、良く言えば自虐ギャグ的に繰り出されているような、そういう余裕も感じる。何よりもタイトル曲にある「それならば僕はここにいるよ」というフレーズが、そのクズな世界観に自分は留まり続ける、一生クソ野郎のままこっち側にいてやる、といった意思を示している。『Flora』以上にはポジティブにならないし、むしろまた落っこちてみる、という。実際この後はそんな感じ。そういうスタンスの表明に、荒々しいグランジサウンドは丁度良かったんだろう。



『左ききのキキ』PV。木下理樹監督作品。いやあ、ヒドい（笑）曲、関係無し。
映画『家族ゲーム』の最後の食事シーンのパロディ。何気にコピー度が高いのが笑える。
相変わらず櫻井氏の名演・怪演っぷりが光る。木下の頭にマヨネーズ（笑）
こういうことが出来るだけの余裕が、何だかんだであるんだなあと。

インタビュー。ジョジョ二部の猛烈プッシュぶりの適当さがなんか、凄い（笑）
シーザーのくだりを読めば言わんとすることは一目瞭然、って、なんてヒドいインタビューだ！
セレブ飲み会で「凄く薄い」とか、なんかすげえ。色んな意味でドキドキする。
最後「ジョジョを読め」って何だよ。戸高まで「石仮面被る」とか言い出すし。
いいスタンスだ。

1. Beautiful Monster
典型的に朗らかなベースラインに導かれて、キラキラとした高揚感に満ちたポップソングでアルバムが始まる。過去最高にポップな幕開けに賛否両論だけど、個人的には賛。ヴァースのメロディも『SWAN SONG』の流用っぽくもあるけど、サビの歌詞に「白鳥」て出てくるから、案外自覚的なのでは。そしてそのサビのメロディの舞い上がり方がとても晴れやかで痛快。突き抜けていくような。Cメロで溜めに溜めて大サビに向かっていくところなど「行け行け〜！」とか思ってしまう。歌詞についても「噓ぶいて」「錠剤」といった単語は出て来るものの、開き直ったような明るさ・突き抜け方をしている。「new sunset」（あくまで日の出ではないんだな）という言葉のイメージがぴったり来る、爽やかな幕開け。

2. テュペロ・ハニー（Album Mix)
折角爽やかに幕開けたのに、この曲で「フォーリンダーン」しちゃうのが、らしい。それでも「手を繋いで」みたいな言葉は含まれていて、微妙なバランス。レビューはシングル『テュペロ・ハニー』を参照。

3. Nowhere land
ライトの明滅のようなシンセにいつものなんちゃってファンクギターが絡む、このアルバムにおけるファンク担当曲。この曲も『その指で』と同じような落ち着いた感じがあるが、あちらがエロなのに対しこっちはもっとロマン重視。大味なサビのメロディ（英語の発音は、もうこういうもんだから！と言わざるを得ない（笑））がイメージを飛翔させる。抑制の利いたヴァースとのギャップの淡さが切ない。最後にサビの伴奏のままヴァースを歌い、そして急に落とすあっけなさ。

4. 影待ち
籠ったようなアルペジオにリードされて落ち着いたリズムと憂鬱なメロディで溜めて、珍しくBメロまで用いて溜めて、そしてサビでぐっと耽美に浮き上がるミドルテンポの楽曲。AメロBメロの重さ・停滞を引き継いだままの浮上は、浮いているのか沈んでいるのか曖昧な、彼等特有の混濁模様（『アパシーズ〜』とかと近い具合）。水の中を静動するかのような。ギターのミュート気味なトーンと優雅なフレーズの対比が良い。

5. アダージョ
子供の遊ぶ声が轟音に切り替わるが、とても豊かで牧歌的な音なのが印象的なゆったりとした曲。リズムも程よい抑制具合。初期の『フラジャイル』の音を芳醇にしてポップにしたような。穏やかな水のようなトーンの音の壁に、間奏などでバンジョーまで入ってきて、とても和やかな中にサビの自然でキャッチーな高揚が光る。この曲も痛みや苦しみがあってもむしろそれを肯定するようなスタンスが見られる。

6. Close your eyes
淡々と進行するミドルテンポの楽曲。落ち着いた曲調はサビや間奏でも割と一定していて、正直地味な曲だと思う。平坦な具合に冬の乾きを見出すかどうか。サビのイエーイ！もどこか伸びきらない具合で、計算だろうか？それでも音の重ね方は流石で、二度目のサビの後の平坦な轟音、歩きながら響くような轟音が聴き所と思われ。三回目のサビが無いのが意外。

7. LUNA
しっとりと深みに落ちていくようなスローナンバー。アート的なだらしないスタンスの出た鬱曲。最初の繰り返しの歌詞の駄目っぷりは益子さんが「凄いね！」と言うくらい酷くて、むしろ笑える。夜の海辺のような寂しくも幻想的な広がりを持った音色が美しく、益子さんのシンセが特に素晴らしい。サビメロの後ろで鳴る微妙な音など。機械的なドラムも安定感があって良い。サビメロディが『イノセンス』の流用っぽいのも気にならない。二回のサビ回しであっさり三分程度に終わるのがアルバム的にバランスが良い、が正直4,5,6が少々タルいので、ダレる人はこの曲で余計にダレるかも。いわゆるエレクトロニカ風味な世界観。

8. Mary Barker
前曲のまどろみから脱するような軽やかなカッティングとリズムで可愛らしく転げ回る、戸高のペンによる爽やかな楽曲。戸高曲が木下的な生々しさを持たないのがここでは非常に効果的。可愛らしいベルの音みたいなギターサウンドがとても和やかで平和で心地良い。うきうきするような2ビートがアートにとって非常に珍しい。シンプルでキュートな戸高のソングライティングも良い。アルバム後半へ向けてのいい具合のアクセントになっている。

9. SWAN DIVE
木下ソロの同楽曲のリメイク。輪郭のぼやけた陶酔感が売りのソロバージョンに対して、こちらは瑞々しいアルペジオやシンセのエフェクトが水中の光の揺らぎのように煌めくアレンジとなっている。ひたすら繊細な音の重なりが美しく、そこにドラムがそっと入るだけでぐっと惹き付けられる。ソロ時に比べ輪郭がはっきりし音も低くなったボーカルは穏やかで耽美な音像の中でぐっと生々しさを増し、初期アート的な美しい逃避の世界観もその幻想性の持つ意味合いが大きく変化しているように思える。童話的ながら沈んでいくような、そしてそれがとても幸せであるような感じ。アルバム中でも最も危うい柔らかさを持った曲。

10. SAD SONG
前曲の静謐を破り、マイナー調のアルペジオを纏って疾走する。かつてお得意だった切迫感全開の勢いがサビの、特にドラムの疾走具合に垣間見える。繊細なパンク。シンプルなメロディ回しも前曲からの展開の移り変わりにうってつけ。サウンドは繊細だが、曲自体に初期アートの香り。しかしそこに乗る歌詞が歳を取ることに対する焦燥だったりする。歌の内容は『Close〜』と被っている気もするが、切迫感はこっちの方が上。「「苦しんだ分だけ強くなる」そうじゃねえ　弱くなったんだ」ってフレーズが特に良い。そうかあこのとき28歳かあ。

11. Piano
軽快な三拍子で耽美な世界を描くワルツナンバー。前作の『Waltz』以上にワルツ。タイトル通りのピアノのリフやバイオリン的なシンセの音、そして踊るようなギターフレーズが西洋的な哀愁（＋エレクトロニカ風味）を漂わせていて、それが意外と木下節と相性が良くてとても美しい。こんな木下もアリなのか！という驚き。サビの沈んでいくようなリフレインも儚く、虚ろに上下するファルセットも非常に映える。Elliott SmithとThom Yorkの折衷と言うのは褒めすぎか。益子プロデュースがアートにおいて最も綺麗にハマった名曲。しかし前曲とこの曲のタイトル、どことなく「仮題そのまま」臭がする。

12. IN THE BLUE
凄い。散々陶酔感を漂わせたアルバムの、その頂点がこの曲。まさに水中の光の揺らぎのようなサウンドが、しばし途切れ、そして怒濤の轟音、壮大な轟音にシンプルな歌のフレーズが飲み込まれていく。民族音楽テイストなドラミングの不穏さ、ギターの音の澄み渡り具合、シンセの反響の仕方、ボーカルに掛かった深めのエコー、そして轟音の轟音たる無表情の広がり具合。轟音は理屈ではないのです。アート式シューゲイザーの方法論の、これはひとつの完成系。情景描写に富んだ歌詞も、その意味合いが全てサビの轟音の中の「I miss the girl」の執拗なリフレインに吸い込まれていく。切なくも強烈な引力。っていうか歌ってない歌詞とかあるんだ（これは別に無くても……）。第二期アートの陶酔・幻想趣味の到達点。この音源もいいが、ライブDVDにおけるこの楽曲の強烈ぶりは異常。そりゃあ木下もシューゲイザーを名乗りたくもなる。

13. THIS IS YOUR MUSIC
フィードバックノイズから急にポップなフレーズで疾走し始める。Rideで言うところの『Taste』のような曲。疾走ギターポップ/シューゲイザー。一曲目以来のこういうスケール感がアルバムの最終局面へ向けての加速を思わせる。滑空するようにドライブする演奏と歌がサビの「パッパッパラパパー」というインディロックテイスト全開のコーラスに収束していくのがひたすら痛快。デスキャブ！などとガッツポーズ。「何処までも飛べるような」と、やはりアルバムのスタンスと関連するフレーズが溌剌と舞い上がっていく。着陸するようにブリッジに戻り余韻を残す後奏も良い。

14. 光と身体（Album Mix)
前曲の飛翔がこの曲に着陸する。アルバムのここまで13曲を経て鳴らされるこの曲のイントロのスケール感は格別である。GRAPEVINEの『Here』におけるタイトル曲と肩を並べる壮大模様。そしてこれまでの楽曲を束ねるようなサビのメロディと歌詞。「空には青　君には痛みと孤独を」が卑怯なくらい説得力を増す。レビューはシングル『フリージア』参照。

15. Low heaven
前曲がフェードアウトして、最後は戸高による穏やかで小粋で優しげなポップソングで締める。戸高がアートに加入する前から存在したらしい、somerhyme時代の曲のリメイクだとか。ラジオフィルターが説かれた瞬間に広がる音像の穏やかさ・柔らかさ。メロトロンの音やら何やらを駆使してソフトロック−エレクトロニカ風味な幻惑感を出しながら、シンプルで可愛らしい戸高の歌が夢見心地に響く。童話のエンディングみたいな世界観。パッパッパーとキュートなコーラスも飛び出し、まろやかで幸福で切なげな後味を残す。


ART-SCHOOLの四枚目のフルアルバム。第二期になってからは二枚目。収録曲数15はベスト盤・ライブ盤を除けば最多。それでも収録時間は53分くらい。意外と三分台の曲が多い。相変わらずのバランス感覚の良さを感じる。
ほぼ全面益子樹プロデュースによって作られたこのアルバム、サウンドの充実具合は前作『PARADISE LOST』と双璧だが、あちらの音が殺伐さ・虚無的な雰囲気を多分に含んだ北欧的質感だったのに対し、こちらはもっと丸みを帯び、光が差し込む穏やかな都市の水辺のような、そんな雰囲気がする。そう、かなり陶酔的なサウンドをアルバム中に展開しながら、どこか現実の都市の情景が浮かぶ音作りにもなっているように、個人的には思う。
あるいは、そう筆者が思うのは木下の作風の変化によるものかもしれない。吐き捨てるような自嘲や後悔から、絶望の後の明るさ・絶望を下敷きにした「それでも生きていく」という風に歌詞のスタンスがシフトしたのは、あるいは媚なのかもしれないし、ある程度は木下自身の成長かもしれない。中期の太宰作品のような、地に足着いた余裕というか軽みというか、流石に言いすぎか。
そういうポップなスタンスは楽曲においても所々に現れている。が、旧来のファンの一部が嫌うほどにポップ一色でもないとは思う。というかコード進行のパターンなどは初期から大して変わっていない。変わったのはそれらの組み合わせ方やアレンジ。サビ前のBメロやサビ後のCメロなどを用いた楽曲は、なるほど旧来のアートの愚直な曲構成とは異なる部分もある。戸高の楽曲などはもはや旧来のアートからは考えられない程軽やかだし、グランジ臭どころか、ディストーションライクなオルタナ臭がほぼ完全に消滅したアレンジをポップに堕したと見る向きもあるだろう。
しかしそのポップさも、いわゆる一般的J-pop的なそれとは全く異なる、というか一般的なロッキンオンジャパン系列のバンドとも、大いに異なると思う。ここまで徹底的に80's以降のUKギターポップやUSインディをリスペクトし、それらの音楽の諸要素を半ばモザイク的に活用するサウンドは、そういない。しかもこのアルバムではサウンドの奥行きも増し、そういったサウンドが何気に広大なスケール感でもって鳴らされている。このようなスケール感でもって、しかもこんな相変わらず情け無い歌ばかり歌うバンド、海外にだってそれほど多くありませんよっていう。本人たちも強く意識しているだろうが、キュアー→スマパン・レディヘ→デスキャブみたいな、そういった開けた系譜に対する激しい慕情を、このアルバムからは感じるのです。インディロックの王道になろうと、あるいは木下もふと思ったのかもしれない。それだけに、後にドーパンのスターとの対談で「（このアルバムが）売れなかった」とぼやいていた木下は、幾らか可哀想。
ともかく、これほどインディロックの王道的なサウンドを「卑屈かつ堂々と」鳴らせるのは、日本では今やアートとバイン、あとHiGEくらいではなかろうか。それくらいこのアルバムでアートが手にしたサウンド的振り幅と、そしてその振り幅の中でもある程度安定したソングライティングが行える能力は、堂々としたものがあるんじゃないかと、信者である筆者は過剰評価気味に考えている。いやホント素晴らしいアルバムだと思うけどなあ。確かに前半弱いし、それに何故か歌がキャリア通してもとりわけ下手だけど。最近のライブではひたすらこのアルバムの曲はスルーされがちだけどさあ。
『SWAN DIVE』から最後までの流れは、アート史上でも一番ドラマチックなものだと思うけどなあ。そう、ドラマチックなんだ、このアルバムは。そして少なくとも個人的には、『LOVE / HATE』と並ぶ大名盤だと、思うのですが。


『SWAN DIVE』PV。耽美。死と性。水と憧憬。女優はAVの方の人だとか。
まさかのオ○ニーシーンもやたら痛々しい。


『Beautiful Monster』ライブ。音源と比べると流石にちょっと音数不足か。
今の戸高の方がきっともっと派手にキラキラやるはず。彼も進化している。

『IN THE BLUE』ライブ。直接貼れなかったのでリンクだけ。映像も乱れていますが。
ちゃんとしたもんを見たけりゃDVD買えよ、と。でも、これ観たら欲しくなる。
この曲は圧倒的にこのライブバージョンが凄い。終盤とかもう訳分からん。
戸高のシャウトもとてもいい感じ。仕方ない、あれは。轟音は、理屈じゃない。

インタビュー。最後の「これで聴かれなかったら、本当に何をすればいいのか分からなくなっちゃうから……」が、なんか重たい。このアルバムが賛否両論だったり売れなかったりした（実際の所どうなんだろう）のも含めて、この後の方向性の転換にも関わってくる部分だと思う。

1. テュペロ・ハニー
シンプルに疾走するギターカッティングを主体としたコンパクトなポップソング。コーラスによってエッジを抑えたカッティングの音がどことなくNW臭。益子プロデュースにより導入されたシンセのサウンドによって尚更NWしている。間奏でソロを弾きまくるのは珍しい。曲が始まっていきなり入ってくるサビのメロディも高揚とかを誘うでもなく、また叫ぶ感じでもないので、不思議な抑制がある。ぶっちゃけシングルとしてはいささか地味だとは思うけれど、所々の歌の抑揚の付け方や楽器の足し弾きなどのシンプルな要素で聴かせようとする様はアート式NWポップとも言えそう。しかし曲が始まって第一声が「フォーリンダーン」なんて、ホント身も蓋もあったもんじゃない。

2. その指で
彼等のファンク路線の楽曲の中でも完成度は随一。抑制の利いたカッティングとシンセの絡みのジェントル具合と嫌らしさのバランスも、ゆったりとした平熱のリズムも、間隔ゆったりなメロディの配置も、これまでのファンクソングから急に大人っぽくなったような感じがあって、正直アートでこんなのが聴けるとはと、初め驚く。低く歌う木下の歌もその怪しく抑えたメロディがかえっていやらしい。そして最後のサビで一気に加速するところで、仕掛け的な面白さとアート的な焦燥感もキープ。疾走しているときの方が透明感があるのも面白い。シンプルだけど工夫されてるなあ。歌詞について、セックスに対する投げやりさは変わらずだけど、猿的にがっつく感じは無くなり、開き直ったかのようないやらしさで「Oh,Baby」と囁く様は色気がある。間違いなくこのシングルの目玉。よくこれアルバムから外したなあ。『Nowhere land』も悪くは無いけど、この曲の完成度はちょっと、異質なものがある。こういう曲をアートくらいの位置のバンドが作るというのが、彼等の特殊性というか、向いている方向のいい意味でのあさってっぷりが出ていると思う。

3. クオークの庭
アートで二曲目の戸高曲。ミディアムテンポのかっちりNW風ギターロックに仕上がっている。カッティングで淡々と進むのがサビで溶けるようなギターの音に包まれて耽美気味にメロディが浮遊する。効果音的に入ってくる空間的なギターの音が綺麗で良い。幻想的なCメロなども用いつつ、三分ちょっとでコンパクトに纏め上げるソングライティングも具合がいい。戸高の楽曲は木下のそれよりも牧歌的・幻想的な色が強いかなあと思う。その分歌詞がちょっと雰囲気重視過ぎる部分があって、木下曲ほどの生々しさは無いが、しかしその分差異化が出来ていて聴く分には楽しい。


アルバム『Flora』の直前に出されたシングルで、限定生産だったけどなんかiTunes storeで普通に買える。別に限定にする必要性は無い気もするけど。三曲で十分程度。どことなく『LOVE / HATE』前のシングル『UNDER MY SKIN』と立ち位置が似ている。典型的なアルバム先行シングル。
このシングルと続くアルバム『Flora』はRovoなどで活躍、SUPERCARのプロデュースなどでも知られる益子樹氏のプロデュースによってレコーディングされていて、そのため益子氏的な透明感のある音作りに加えて、随所に氏の演奏によるシンセサウンドが導入されている。NW的な透明感のあるギターの音とシンセの絡みはそこそこ効果的で、特に『その指で』に関しては氏のプロデュースが見事に決まっている。ただシンセが重要過ぎて、この時期の楽曲はなかなかライブで聴けないのが残念。
グランジ臭は皆無、またシングル『フリージア』などで見せた朗らかな感じも、ひとまずこのシングルでは影を潜め、三曲ともNW的な抑揚の効いた、良く言えば渋い、悪く言えば地味な風である。しかしアルバム未収録の二曲もクオリティは十分、というか『その指で』は名曲なので、何だかんだで魅力はあるシングルである。「アートってNWバンドだったんだ」と思うも良し。


『テュペロ・ハニー』PV。『Missing』のPVと繋がっていて、こちらが先になっている。しかし主人公の男、状況の割にえらくうざったい（笑）同情の余地、ねえじゃん（笑）とか思っちゃう。


『その指で』ライブ。益子さんのシンセが絶妙。間奏のみ弾く木下のギターも味がある。そして最後に加速してからの木下のギター、ずっと同じ抑え方で弾いているだけなのに魅力的なのが結構凄い。

1. Missing
雑踏の音からジャーン！と始まる、ソリッドながら『フリージア』〜『Flora』な抜けの良さを持ったポップな曲。ギターカッティングのドライブ具合とサビで一気に水中で混濁するようなサウンドの瑞々しさ具合の対比が大きな特徴か。間奏の水中に光が反射するようなサウンド具合が陶酔的で美しく、しかし何かの放送が聴こえて来るのがどこか現実的な感じがして不思議。そこから最後のサビへ一気に浮かび上がるのがまたこれ、カタルシス。終盤の粘るフレーズといい、戸高のギターがやはり光っている。四分ちょうどという演奏時間もあって、何故か凄くきっちりした印象のある曲。

2. それは愛じゃない
一音目から牧歌的で豊かなサウンドが広がる、ゆったりギターポップの名曲。いや、これは名曲でしょ。シンプルなフレーズを繰り返す水っぽいギターとアコギの響きが、サビで一気に高揚するところとか、牧歌的で優美で輪郭のはっきりした間奏のギターフレーズとか、まさかのハンドクラップとか、サビの裏声の使い方とか。サウンドの充実っぷりが半端ではなく、ヴァースのメロディが『FIONA APPLE GIRL』の使い回しであることも、もうどうでもいい。木下のシンプルかつポップなソングライティングと戸高の独特の牧歌的な志向が見事に合わさった、名演・名メロディだと思う。何よりも、これだけ充実しておきながら演奏時間が三分を切るところ、その楽曲編集力が素晴らしい。ああ、これは『Flora』に収録して欲しかったなあ。アートがその気になれば、ここまで豊かでピースフルなポップソングを作れるという。そのくせファルセットを交えながら「レスキューミー」なんてほぼカタカナで歌う木下のいい具合のショボさがまた可愛らしいし。

3. スカーレット
4. RAIN SONG
5. クロエ
6. TARANTULA
7. 1995
8. APART
9. 君は僕の物だった
→ミニアルバム『スカーレット』のレビューを参照。こちらはリマスターされているそうですが、その差異については、ミニアルバムの方を持っていないので、知りません。

10. LOST IN THE AIR
11. FLOWERS
12. 羽根
13. 刺青
14. I CAN’T TOUCH YOU
15. PERFECT
→ミニアルバム『LOST IN THE AIR』のレビューを参照。リマスターについても同上。

ART-SCHOOLの、タワレコ限定・初回限定生産だった活動再開後またメジャー契約に至るまでの間に出した、実際に「Missing」しかけていた二枚のミニアルバムを、二曲の新曲と共に収録したコンピレーションアルバム。この冒頭二曲の新曲をファンサービスと捉えるか、既に二枚のミニアルバムを持っている人に対する嫌がらせと取るかは分かれるところ。『Flora』以降にファンになった筆者みたいな人間からすれば、ありがたいばかり。東芝EMI時代の廃盤音源もいつかこういう具合にコンパイルされればいいのに。『SWAN SONG』こそ本当のミッシングだよ！と思うことしきり。
冒頭二曲と『スカーレット』以降の楽曲はやはり、違う感じはする。新曲が完全に『フリージア』から『Flora』に至るまでの開放感や陽性っぷりが如実に現れた楽曲であるのに対して、ミニアルバム二枚の楽曲はその随所からどうしようもない閉塞感・情け無い自嘲・自棄などが散見される。やはり木下自身が「あの頃が一番キツかった」などというだけあるなという惨めっぷり、サウンド的にも新しい方向性を模索して幾らか迷走気味になっていたかもしれない時期。個人的には別にそうは思いませんけど。こうやって纏めて聴くと意外と纏まっているというか、本人が「双子のミニアルバム」とか言うのも分かるというか。「なら初めから二枚にして出さずにアルバムで出せばいいやん！」と思うかもしれないけど、違うんだ、きっとファンを安心させたかったんだ。アートのこまめなリリース形態は嫌いじゃないです。
新曲は、特に『それは愛じゃない』がもう、最高。キュアーとかのポップな側面に対する解釈が、とても素晴らしいと思う。サニーサイドのアートスクール。ロマンチックなポップさ・甘さが堪らない。もっと評価されてもいいと思うんだよな『フリージア』〜『Flora』の時期は。


『Missing』PV。木下理樹初監督作品。どこまでちゃんとやったのか怪しい（笑）牧歌的な雰囲気とそのオチが、要するにこの時期のスタンスなんだろうな。そして相変わらずコスプレ大好きなメンバー。宇野ちゃん、酷い（笑）小さな船の上で花葬、なんともキュアーな世界観すなあ。実際にここまでやることが出来ないからこそ、こういうのに憧れちゃう、そんな気持ちってある。

1. フリージア
『PARADISE LOST』での変化を更に発展させたような、というかあのアルバムが冬だったのに対しこの曲は春の訪れ、みたいな雰囲気のする大曲。イントロから祝福感に満ちたサウンドは歌詞中の「春の日だまり」そのものな感触。曲自体の切ない陽性具合を、彼等のキャリア中でも最も凝ったアレンジで丁寧に作り上げている。機械的ながら可愛らしいドラム、繊細で暖かみのあるギターなどなど。木下も調子に乗って普段あまり使わないCメロを効果的に活用して更に曲を盛り上げれば、そこに戸高が疾走感のあるフリーキーなギターで花を添える。そして一旦途切れたところから間奏が徐々に盛り上がって最後のサビに向かって行くところなどはもう、神々しい。彼等の楽曲の中でも最も「祈り」とかそういうものを感じる瞬間。曲全体の雰囲気もなんか、どこか遠くの綺麗な国とかじゃなくて、あくまで現実的に進行していくストリートの祈り、って感じで、遂に木下が現実にそこそこ上手く着地した感がある。実はどうしようもないところと、それだからこその祈り。余りに綺麗過ぎて、他のアートの楽曲から浮いてる感さえある程。

2. 光と身体
これもまた、荒涼とした雰囲気ながらも、ある種の開放感と開き直りの力強さを感じる壮大な曲。イントロから薫る冷たさと力強さのバランスは、『スロウ』『望みの彼方』とかの頃のGRAPEVINEにどことなく似ている。王道文系ロックとは、こういうもんです。珍しくBメロまで使って溜めた感情をサビのゆったりとした美メロで「放つように」歌う様は、猿猿と言って自虐していた頃に比べると随分力強くなったなあと。解放弦を利用したメジャーでもマイナーでもないコード感と後ろでゆったりと流れる優雅なスライドギターが、寒々しさや痛々しさを抱えたままに不思議と包容力もあって、とてもいい。ラストのサビ前の間奏もこれ、シンプルだけど効果的で、そこから広がって最後の「手を繋いでいよう」連呼に繋がるのもとても自然に響く。広大で空虚な空の青に、それでもと立ち向かう力強さ。二曲連続で壮大かつ「ドン底の優しさ・力強さ」みたいなものを提示するアートスクール。正直この二曲はキャリア中でも例外的過ぎると思う。どちらが表題曲になってもおかしくない、どちらも堂々とした名曲。

3. キカ
シングルのくせに何故か前曲の後奏を受け継いで始まる。アートで初の木下以外、戸高のペンと歌による曲。『PARADISE LOST』の北欧風味を更に発展、というかそのままシガーロスみたいなゆったりとした雰囲気に、趣向は近いものがあるけれどやはり木下とは異質なメロディ・歌が乗る。滴るような柔らかいギターとキーボード。しっとりと、若干モタリ気味に転がるドラムが、実は木下による演奏と知って、なんか驚愕。北欧の寒さ・厳しさと隣り合わせの優しさ・まどろみ・幻想感が割と良く出ていて、そのため演奏時間もゆったりと五分越え。三曲連続五分越えという事実が、このシングルのアートにおける異質っぷりに拍車を掛ける。

4. LOVERS LOVER
イントロの水のようなコーラスの掛かったギターから一気に広がっていく、『カノン』とかと同系統の曲。コード感の殺伐具合の割には、この曲もまた不思議な包容感というか、芳醇なものがあるように思われる。サビで一気に世界観が広がり、戸高のギターがある種の抑制を利かせながらも優雅なフレーズを奏でる、この二期以降ならではの疾走感。この曲におけるそれはそういった曲の中でも最上のものだと思う。極度にシンプル化されたサビのメロディは完全に演奏の広がりに身を任せており、実際のテンポやコード感以上に疾走感・高揚感に満ちたサウンドを上手く羽ばたかせている。張り裂けてみたり執拗に回転するようなフレーズを弾きまくったりする戸高のギターも伸び伸びとしていて心地良い。軽快かつ力強いドラムも良い。サビ前のフィルインが高揚感をぐっと惹き付ける。焦燥したまま高揚するようなこの感じ、第二期アートの一番美味しいところではないかと個人的に思う。


ART-SCHOOLの、アルバム『PARADISE LOST』後初の音源にして、久しぶりのシングル。しかしシングルの割に収録時間が他のミニアルバムと大差無い（全体の収録時間は２０分ほど）のは、このシングルの平均演奏時間がどれだけ長いかを物語る。焦燥と戦慄の三分ギターロックを得意とする彼等としては、相当に異質なシングルだと思われ。それ故に、このシングル「だけ」の価値もある。
『PARADISE LOST』は彼等のキャラクターとしての閉塞感・焦燥感を豊かなサウンドアレンジで表現したアルバムだったが、このシングルは遂にその閉塞感を打ち破った感じがある。冒頭から響く音の、切なげながらも陽性で、しかも敬虔に広がっていく感じが、木下の新しい世界観を形成していると思う。確かにポップになった。だけど、別に媚びたそれとかじゃなくて、もっとしっかりと地に足着いたものだと、自然なものだと、思うんです。歌詞の「チクショウだけどそれでも生きていこう」感とか開放感とか力強さとかも含めて、いい意味でよりスマパンっぽくなったような。
その木下の新しい世界観によってか、それともサウンドが先かは知らないが、サウンドももう、一気に転換した感がある。個人的には『PARADISE LOST』の時の変化以上に大きなものを感じる。ポップになったが故に可能になったアレンジの数々、特に戸高のギターの各所での伸びやかな広がり具合は目を見張るものがある。自作曲も提供し、いよいよ第二期以降のサウンド志向における「木下・戸高二頭体制のアートスクール」が完成した感じ。バンドとして凄く健全で理想的な進化のように思えるんですけど、まあ筆者が信者だからそう感じるだけかもしれませんけど。
この不思議とポップで開放感のある感じは、次のアルバム『Flora』まで続き、またそれ以降もちょくちょく顔を見せる。個人的には『PARADISE LOST』以上にバンドのターニングポイントを感じるシングルだったりして。PVの頑張り具合といい、やたらと力が入っているシングルであることは間違いない。ので、『フリージア』と『光と身体』をもっとライブでやって欲しい（笑）演奏が面倒臭そうなのは分かりますけど。ライブ（2009年）で観た『LOVERS LOVER』、大変よろしゅう御座いました。


『フリージア』PV。表現したい切実な部分もよく分かるけれど、ネタ成分があまりに多過ぎて、正直凄いことになっている。浮浪者木下の演技の微妙っぷり（死んでるのに瞬きしたり）、櫻井さんと宇野のホームレスの名演っぷり、焼きキノコ（笑）ここまで来ると、ひとり最後まで割と格好いいままの戸高が勿体無く感じられるほど。散々笑いを取りながら真摯な部分も覗かせるこのPV、彼等のPVの中では圧倒的に一番好きだなあ。